Por: Oscar Herrera.

La muestra “Retratos del Alma” de la artista plástica Daniella de la Puente fue inaugurada el pasado viernes 6 de Noviembre en la galería de la Casa de la Cultura en Playas de Tijuana.

Fueron los representantes del Instituto Municipal de Arte y Cultura (IMAC), Martha Saldaña y Enrique Chiu los encargados de inaugurar la obra pictórica que reúne 18 piezas que van desde óleos, acrílicos sobre tela, linóleo grafías, así como creaciones a tinta y café.
“De todas las exposiciones que he tenido, de todos los cuadros que tengo, esta muestra tiene mucho más de mi que cualquier otra. Esta muestra habla de momentos muy hermosos y muy difíciles que he pasado recientemente en una relación, y yo creo que eso lo hace para mi, mucho más especial, mucho más mío, mucho más intenso”, expresó De la Puente a CONECTARTE.

“Retratos del Alma” es un trabajo que la artista viene realizando a lo largo de cuatro años en el cual las obras que lo integran reflejan sus más profundos sentimientos. “Hablan de cómo percibo yo el amor, el desamor, una esperanza, una ilusión, una desilusión”.
Sobre la variedad de técnicas utilizadas en esta muestra De la Puente señaló que “me gusta mucho experimentar con diferentes texturas, con diferentes elementos, con diferentes materiales, y me gusta muchísimo el grabado”.
Para el crítico de arte Enrique Chiu el trabajo de Daniella de la Puente es “un goce para los sentidos, y lo es más, cuando sin prisas, vamos entrando en la obra permitiendo que sea parte de nosotros o nosotros de ella, para poder disfrutar de lo que la artista ha plasmado y poder percibir las emociones que la artista ha sentido en el momento de su creación”.

Para la nacida en el DF pero radicada en Tijuana desde hace ya varios años, el sentimiento que provocan sus obras es fundamental.
“Me gusta mucho que el espectador vea, y que trate de buscar la explicación del cuadro. Me gusta que me digan. Yo prefiero que a mi me digan qué es lo que ven, qué es lo que sienten, qué es lo que les provoca mi cuadro, a que me pregunten qué es lo que yo quise pintar. A mi me gusta muchísimo que un espectador llegue, lo vea y diga, ‘yo veo esto’, ‘me hace sentir esto’, ‘creo que sentiste esto’; eso es lo que me encanta. Con moverles un granito de sus sentimientos, con eso me doy por bien servida”.
Esta la séptima exposición individual de la autora quien además ha participado en numerosas muestras colectivas, y actualmente es integrante de la Fundación Nacional de Artistas Independientes (NFIA, por sus siglas en inglés).

¿De qué color es el alma?, pregunta CONECTARTE.
“De miles de colores. Creo que el alma tiene miles de matices. No se puede definir en uno solo”, finalizó contenta la virtuosa artista.
Piezas como “Corazón Roto”, “Valles de tu cuerpo”, “Esencia de mujer” y “La Noche”, entre otras, integran “Retratos del Alma”, una exposición que usted puede disfrutar de manera gratuita, y que no se puede perder.

Por: Oscar Herrera.

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Alumnos, ex alumnos y docentes de la Universidad Iberoamericana encabezados por la artista plástica Karen Muro ofrecieron un homenaje al escritor Roberto Castillo quien para la ocasión, presentó una compilación de poemas japoneses que fueron traducidos por el también académico de la Ibero.
Más de 150 personas se reunieron el pasado jueves 22 de Octubre en el Auditorio Loyola para escuchar de voces como la de Jessica Rivera, Melania Santana, Scarlett Vásquez y Rosa Alicia Esténs de la Garza; poemas que datan de los siglos VII-XIII, escritos por poetas japonesas principalmente.

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En charla con los invitados, el autor de obras como “La esquina del Johnny Tecate” y “Gancho al corazón: la saga del Maromero Páez”, habló sobre el papel de la mujer en la Literatura japonesa antigüa, su estilo y composición, así como el papel del traductor literario.
“Estas no son traducciones del japonés al español, sino del inglés al español, a partir del libro ‘The Burning heart : women poets of Japan’ , publicado primeramente en el año del 77, editado y traducido por los poetas Kenneth Rexroth e Ikuko Atsumi; libro pionero en acercarnos la poesía oriental a nuestro mundo occidental”, mencionó el también traductor de Charles Bukowski.
Amor, desamor, así como la separación del ser amado, son los temas que caracterizaron la poesía japonesa de antaño, además de contar con elementos constantes como “las flores del cerezo, los arroyos, las montañas y las nubes; la luna y los estanques, así como las cortinas de bambú y las telas de seda, los broches para el cabello y los perfumes, pero principalmente las mangas de sus vestidos o kimonos”, indicó Castillo.

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Sobre la posibilidad de que los poemas pierdan su esencia al ser traducidos a otro idioma el escritor mencionó que seguramente ocurrirá: “pero dije yo, si los japoneses cantan salsa (como la Orquesta de la Luz) o hacen mariachi, por qué yo no puedo hacer también traducción de la Literatura oriental al español. Es como agarrar otro ritmo, ellos agarran su ritmo, yo agarro mi ritmo, y lo que importa finalmente es que hubiera eso que llaman vasos comunicantes; qué es lo que entendimos, qué es lo que sentimos, qué es lo que nos podemos comunicar, porque finalmente el arte es una forma de comunicación. Van a decir, está mal traducido, no respetaste la técnica, la métrica; esa no es una tanka, a mi no me importa tanto eso, sino que tuviera de alguna manera la adaptación al momento de ahorita, y que nos pueda comunicar cómo unas mujeres de hace mil años nos pueden decir cosas todavía”, expresó a CONECTARTE el autor de “Cuervo de luz”.

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Y citando a Augusto Monterroso mencionó: “estamos en un mundo de traducciones del cual hoy ya no podemos escapar, en todo caso, es mejor leer un autor importante mal traducido, que no leerlo en absoluto”.
El escritor quien actualmente prepara un trabajo similar sobre mujeres en el mundo árabe mencionó que su interés por publicar obras literarias de mujeres surge a raíz de haber crecido y desenvolverse actualmente en un entorno predominantemente femenino: “crecí entre abuelas, madre, hermanas, tengo una mujer, tengo puras hijas y una nieta, entonces dije, este mundo de alguna manera quiero conocerlo, quiero sentirlo, porque vivo entre ellas, y tengo puras hijas, pues quiero entenderlo mejor. Pensé que la mejor manera de acercarme era a través del conocimiento de la Literatura, para ver cómo la mujer percibe la realidad, no como los estudios de género, sino desde el rollo más emotivo”.

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Por su parte Karen Muro logró reunir veinte pinturas en tinta china sobre papel arroz elaboradas por sus alumnos para ilustrar los poemas traducidos, así como una muestra de bonsái por parte de Mario Martínez para homenajear a quien lleva más de veinte años como docente en la Institución.
“No quería dejar pasar la oportunidad de homenajear a una persona cuya labor me ha permeado personalmente. Comentaba en el escenario que Roberto Castillo fue mi maestro de Apreciación al Arte, entonces pues, qué lujo haber tenido un maestro que yo admire tanto y ahora tener la posibilidad (de acuerdo a mi puesto) de poder retribuirle el favor de todo lo que me enseñó a través de un homenaje”, mencionó a CONECTARTE la Coordinadora de Promoción y Difusión Cultural de la UIA.
La muestra estará un mes en exposición en la Ibero de manera gratuita.

Por: Oscar Herrera.

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Los Jaguares visitaron la ciudad de San Diego el pasado viernes 16 de Octubre como parte de su gira “45”. Esta vez fue la taberna Belly Up en Solana Beach, la que sirvió de santuario para venerar a unos Jaguares que han renacido con el nuevo álbum. Más de 600 personas llegaron hasta el norte del condado para recordar y cantar éxitos como “Nubes”, “La Celula que Explota”, “La Negra Tomasa”; entre otros clásicos de una banda que lo mismo disfruta los grandes escenarios que espacios íntimos y reducidos como el de esta ocasión.
Un concierto lleno de energía, entrega y fervor para una banda que supo responder a la devoción de sus aliados que los sigue manteniendo vivos.
Previo al concierto, la banda charló en exclusiva con CONECTARTE, y aquí presentamos parte de la entrevista.
A un año de haber comenzado la gira del álbum “45”. ¿Qué balance nos pueden compartir?
Saúl Hernández: “Es una gira muy energética, muy positiva, con un poder de convocatoria muy grande. Estamos muy agradecidos con la gente que nos ha apoyado, toda la raza, los aliados (tanto en el disco como en vivo). Han sido conciertos muy grandes, plazas de 60 mil, 40 mil, etcétera. Y pues, vino como a reafirmar la carrera de Jaguares, y lo que más nos sorprende también es ver que afortunadamente vemos público de todas las edades, desde niños de 10 años hasta nuestra generación, entonces, el abanico de Jaguares es muy grande en ese sentido. Pensamos que eso es muy valioso y muy importante”.
El disco “45” es vigoroso, intenso; auténtico rock puro. Un sonido diferente al tradicional. ¿Cómo nace un álbum así?
Alfonso André: “Teníamos muchas ganas de entrar al estudio, ya que estuvimos alejados de los estudios de grabación por un buen rato, por la terminación de la relación con BMG, con los cuales empezamos prácticamente nuestra carrera discográfica con Caifanes, entonces era una situación delicada. Estuvimos mucho tiempo negociando la salida de la banda de la manera que conviniera a ambas partes, y eso nos mantuvo alejados mucho tiempo del estudio, entonces cuando pudimos entrar, entramos con esa energía y con esas ganas de hacer algo nuevo, como hacer un nuevo comienzo dentro de la carrera de la banda. Fue una buena oportunidad para volver a empezar de cierta manera, y creo que este disco tiene esa característica, esa frescura que puede tener un primer disco”.

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El disco ya fue premiado con un Grammy como Mejor Álbum Latino de Rock por la Academia estadounidense, y ahora en los Latin Grammy 2009, tienen dos nominaciones: Mejor Álbum de Rock (“45”) y Mejor Canción Rock (Entre tus jardines). ¿Qué representa esto para la banda?
César “Vampiro” López: “Yo creo que es un gran aliciente. Este disco desde que salió nos dio una respuesta muy positiva; los sencillos se fueron al primer lugar en la radio, estuvo en primer lugar en ventas. Es la primera vez que nos ganamos un Grammy americano. De cualquier forma siempre pensamos que el mejor premio es la aceptación de la gente, sin embargo también sabemos muy bien que es una gran exposición el llevarse este premio, y pues vamos a ver que pasa ahora con los Latin Grammy”.
Tuvieron que pasar más de 20 años para que la banda fuera reconocida con un premio como el Grammy. ¿Ha sido injusta la industria del disco en Estados Unidos con la agrupación?
Saúl Hernández: “No creo que haya sido una injusticia. Yo creo que fue distracción de ambas partes. Nosotros somos un grupo que finalmente no hace un disco para ganarse un Grammy, hace un disco por la necesidad de que somos músicos y queremos expresar lo que somos. Y bueno, en aquella época no existían los Grammy.
Alfonso André: “Sí existían pero no premiaban al rock”.
Saúl Hernández: “Para nosotros no existían (risas). Creo que eso finalmente no nos distraía de lo que nosotros realmente queremos hacer. Afortunadamente con el tiempo también los medios, la industria, han abierto las puertas para todos los artistas latinos. Muchos han tenido ya una entrada increíble en la industria del disco en Estados Unidos, entonces creo que el hecho de que por ejemplo Shakira, otros grupos u otros artistas estén teniendo un desarrollo en su carrera, me parece que es muy positivo”.

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En su opinión ¿qué méritos tuvo el disco “45“ para ser premiado por la Academia?
Saúl Hernández: “Yo creo que cada disco tiene lo suyo, cada disco tiene su personalidad, su filosofía , su propuesta. “45” ha sido el disco más concreto que hemos hecho, no experimentamos como en otros discos, de tratar de que la canción se vaya por un camino que nosotros realmente no conocemos, y ahí es donde empezamos a experimentar mucho. Y “45” fue más directo, concreto en el sonido, inclusive en las canciones, el concepto de que sea sólido (energéticamente hablando). Sónicamente, las guitarras, la batería, la mezcla (que es una máquina demoledora), y todas las canciones se van por ese camino. Obviamente hay algunas que van dándole una textura diferente para no hacerlo aburrido; pero probablemente era un disco que también la gente esperaba, un disco así, como un grito de rebeldía, de mostrar que todavía está muy vivo el grupo”.
Saúl, he escuchado los coros de tu hija Zoey en el tema “Píntame”. ¿La dejarías incursionar en el mundo del rock?
Saúl Hernández: “Creo que es muy temprano todavía para pensar qué va a hacer mi hija, ella está muy chica. Ella inventó esa melodía por eso la cantó, pero creo que la intención de nosotros es enseñarle todos los caminos, y que ella decida con cual va a querer crecer. Lo importante es que sea feliz y que esté bien armada para enfrentar la vida; si es el rock and roll, pues el rock and roll, si es otra cosa pues la apoyaremos también. Creo que falta rato para que ella se de cuenta de lo que quiere”.
Alfonso André: “Esperamos que entre en razón” (risas).

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45 minutos de duración, 45 años de Saúl, 45 millones de pobres en México; esto “no es un mal sueño”. ¿Cuál el compromiso de la banda ante esta lamentable situación?
César “Vampiro” López: “Y lamentablemente sigue subiendo la cifra. Ahora estamos sufriendo una crisis tremenda en nuestro país, y pues yo personalmente veo con tristeza que el gobierno sigue terco en aplicar un modelo económico que no funciona que es el neoliberalismo que ha dejado muchos pobres y pocos ricos. Somos el primer lugar en Latinoamérica en desigualdad ahora (…). Tenemos la esperanza de que las cosas cambien, y pensamos que la solución está en nosotros mismos como ciudadanos; organizarnos así como paso con el sismo del 85 (y que gracias a eso la Ciudad de México es de las ciudades más politizadas y educadas). Hace falta mucha educación. Grave el problema de la educación en México. Hay mucha ignorancia, y creo que ahora nos tenemos que poner las pilas. Si el gobierno no hace las cosas, pues nosotros hay que organizarnos”.
Recientemente también se han involucrado en causas o problemáticas sociales como las muertas de Ciudad Juárez. ¿Cómo hacer activismo social sin cruzar esa delgada línea al oportunismo o al protagonismo?
Saúl Hernández: “Porque lo hacemos honestamente. Una vez fuimos a tocar a Juárez (hace ya varios años) sabíamos de la problemática, y pensamos que sentarnos con las madres y platicar con ellas iba a hacer un primer enlace para nosotros saber realmente sus testimonios y escuchar qué está pasando. Creo que eso lo haces porque te nace, no por otra cosa. Y ahí lo único que finalmente se trató de hacer con ellas fue, por un lado un apoyo, no están solas. Es una tragedia lo que está pasando, y trataremos de utilizar el poder de convocatoria del grupo para denunciar las muertes y exigir justicia que es lo que hasta el día de hoy seguimos exigiendo, que los procesos de investigación realmente tengan su curso, que ya no haya chicas que las levanten y desaparezcan. Todo es muy complicado porque también hay otros factores que están haciendo que todo esto se vuelva algo poco entendible. Pero bueno, la intención es poder aprovechar todo lo que tenemos, lo que la gente nos ha dado, y regresarlo de alguna manera”.

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Saúl, concebiste a Jaguares en un principio como un taller donde músicos invitados entraban y salían del grupo aportando su sello y su estilo a la banda. Hoy parece que se ha conformado una base. El Vampiro lleva casi diez años tocando con ustedes y Diego Herrera es un viejo conocido. ¿Prevalece la idea del taller o prefieres afianzar una base musical con estos integrantes?
Saúl Hernández: “Inicialmente sí era una especie de experimento, pero las cosas se fueron dando también de una manera muy natural. Creo que ahorita estamos muy contentos. Espero (risas). Nos sentimos bien trabajando así. Creo que tanto Alfonso como yo hemos experimentado ya muchas cosas, tanto con Insólitas, con Caifanes, todo el primer inicio de Jaguares, y ahora compartir con Marco viene como este equilibrio. Probablemente después de catorce años empieza a vislumbrarse el equilibrio de los Jaguares”.
A más de 20 años de historia, algunos aliados decidieron ya no seguirlos más. Hablo de esos que llevan el corazón caifán, pero no se quisieron poner la piel del jaguar. ¿Qué dejaron de encontrar en ustedes esos que ya no los siguen ahora?
Alfonso André: “Es muy difícil para mí contestar esa pregunta porque para mi óptica es lo mismo Caifanes que Jaguares. Jaguares es una continuación de mi trabajo y de mi camino como músico, tanto mío como de Saúl, y de toda la gente que ha estado en lo proyectos como es Sabo, Alejandro, Diego, ahora Marco, Vampiro; antes José Manuel, Federico, Jarris. Toda la gente que ha pasado por aquí ha aportado y ha dejado ahí su sello, y ha sido para mi una línea continua, realmente no es un parón y a otra cosa. Para mí es una continuación natural de lo que estábamos haciendo antes, y lo veo como una sola trayectoria, entonces es muy difícil para mi explicarme eso. Yo siento que Caifanes sigue vivo aquí en nosotros con Jaguares”.

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Está a punto de terminar una década, y en mi opinión no existe un disco de culto en el rock mexicano en esta década como los que dieron ustedes en los 90. Hablo de discos como “El Silencio”, “El Diablito”, como el disco debut de Café Tacuba o “El Circo” de Maldita Vecindad”. ¿Es esta, una década perdida para el rock mexicano?
Alfonso André: “Yo creo que se han grabado menos discos, pero hay cosas muy rescatables, creo que hay bandas independientes que están haciendo cosas muy buenas. Está el último disco de Zoé que a mí me gusta bastante; está bastante chido, creo que han madurado bien, en cada disco han ido superándose, y es una banda que promete mucho todavía. “Los Fancy Free” por ejemplo me parece una banda muy divertida, y bueno, hay muchas cosas por ahí. Creo que la industria sí está en crisis, el interés de los medios también ha decrecido muchísimo, pero los chavos siguen haciendo música interesante, creo”,
Saúl, frases como “Esta angustia de tener seco el corazón” o “Te voy a dar todas mis venas para que cures todas tus penas” o “Yo te daré mis ojos para que llores”; eran poesía exquisita. ¿De qué se alimenta tu vena literaria hoy en día?
Saúl Hernández: “Pues yo creo que de la misma esencia de todas estas imágenes. También trato de ir encontrando otras formas de expresión; de la vida, de lo que quieres, de lo que necesitas, de lo que añoras, de lo que sueñas, de lo que vives y no quieres, del día a día; sobre todo esa necesidad de expresión, que a veces, como dice un Son: ’para expresar lo que siento me falta idea, me falta espacio, me falta idioma y pensamiento’. De ahí parte toda esa esencia de buscar en ti mismo todo el universo que está ahí adentro y sacarlo”.
Hace 20 años cantaban: “Nunca nadie nos podrá parar, sólo muertos nos podrán callar”. ¿Sigue viva la protesta?
Saúl Hernández: “Pues sí, espero que no se lo tomen muy en serio (risas). Seguimos ahí, en la necedad”.

Foto CONECTARTE

ConectArte agradece a Javier Álvarez y Paula Gómez de Univisión San Diego por todas las facilidades otorgadas para la realización de esta entrevista.

Por: Oscar Herrera.

Foto tomada del sitio oficial www.depechemode.com

El pasado viernes 14 de Agosto la banda británica Depeche Mode debió de hacer una escala en la ciudad de San Diego (como parte de su “Tour of the Universe”) la cual tuvo que ser cancelada por una recomendación médica para el vocalista Dave Gahan: reposo vocal; después de 4 meses de gira.
Esa fue la nota principal del pasado viernes aquí en la región Tijuana/San Diego: el concierto de Depeche Mode estaba cancelado. Fue así que esta ciudad se unía a la de San Francisco en presentaciones canceladas por los chicos de Basildon.
“Ciertamente Dios no está con nosotros en este momento“, lamentaba Andy Fletcher en el Washington Post después de que la banda se vio forzada a cancelar otras dos fechas el mes pasado debido a una fractura en la pierna sufrida por Gahan en la ciudad de Bilbao, España.
Y es que esta gira viene cargada de infortunios para el vocalista quien justo al inicio del tour tuvo que ser intervenido médicamente. Lo que en un principio se diagnosticó como un cuadro de gastroenteritis, terminó por ser un tumor cancerígeno en la vejiga, el cual fue removido exitosamente. Este lamentable hecho llevó al grupo a cancelar 10 fechas en distintos países de Europa.
Esta semana la banda retomó la gira, y después de dos exitosas noches (sold out) en el Hollywood Bowl de Los Angeles (el pasado domingo y lunes), la agrupación se presentó anoche en el magestuoso Honda Center de Anaheim ante más de 18000 personas que disfrutaron de un recorrido musical de dos horas de duración.
Después de una desangelada presentación de los suecos Peter Bjorn and John, la banda de Essex Inglaterra pisó el escenario en punto de las 9 de la noche ante una multitud (en su mayoría treintañeros) que los recibió con una ovación fervorosa.

Ahí estaban en penumbras Martin Gore, Andy Fletcher y Dave Gahan tomando su sitio en el escenario junto a Christian Eigner y Peter Gordeno (músicos invitados para esta gira) mientras las notas sombrías de “In Chains” marcaban el preámbulo de un periplo con destino al universo.

Foto tomada del sitio oficial www.depechemode.com

“Wrong“, gritaba potente Gahan, como espantando a sus propios fantasmas que llegaron del pasado a susurrarle al oído su historia llena de excesos; abusos que hoy pareciera están causando estragos en la vida del cantante. “I was in the wrong place at the wrong time” cantaba vigoroso Dave mientras se despojaba del saco para quedarse en puro chaleco por el resto de la noche.
“Hole to Feed” cerró el primer bloque de canciones que tocaron de su más reciente material “Sounds of the Universe“, doceavo disco de la banda en el cual retoman un sonido electrónico ochentero basado en sintetizadores analógicos.
No terminaba de bailar la gente con las rítmicas canciones del reciente álbum cuando un cuervo anhelante se vio volar en la enorme pantalla del escenario. Así daba inicio “Walking in my shoes“, primera escala en el pasado que realizaba la banda ante la complacencia de sus seguidores quienes en coro cantaban “You’ll stumble in my footsteps“.
Después vino “It’s No Good“, “A question of Time” y “Precious“. Luego vino el primer climax de la noche, Martin Gore (vestido en un color galáctico) se postró al centro del escenario a interpretar “Jezebel” y “Home“.
Ahí estaba el genio; timido y frágil; sin la compañía de su guitarra, cautivando al coloso con su bello canto. “Mr. Gore; beautiful” lo despedía del centro del stage Dave Gahan mientras el gigante de Anaheim ya se había rendido con una ovación desmedida.
El receso de estas dos canciones permitió a Gahan recobrar bríos, ya que el resto de la noche se le vio intenso, efusivo y vehemente por todo el escenario. Atrás quedaron los daños a la salud y las recomendaciones médicas, hoy brilló el aplomo que siempre ha caracterizado al cantante en sus presentaciones.
Y aunque siempre es escaso el contacto que tiene el vocalista con su público, éste siempre termina por perdonar la mesura del cantante, sobre todo cuando desde el escenario da la orden de levantar y ondear los brazos al compás del clásico “Never let me down again“. No hay mejor manera de demostrar la perfecta comunión que siempre ha existido entre el cantante y sus fieles seguidores. “I’m taking a ride with my best friend” , gritaba al unísono la Arena completa.
El primer encore trajo de regresó a Gore al escenario. Llegó a poner la noche romántica. Cantó “Somebody“, como para dejarnos ir extasiados, como para revivir nuestra adolescencia, como para añorar aquel amor en el olvido.
Y como si no hubieramos recibido ya lo suficiente, llegó Dave a cantar la sublime “Stripped” para despojarnos de nuestros más ocultos sentimientos, y dejarlos a flor de piel.
“Jesus, Jesus, Jesus“, lanzaba como plegaria una voz solitaria enmedio de la oscuridad que dejaba tras de sí el final del primer encore. No había duda, la noche tenía lugar también para esa irresistible atracción llamada devoción.
“Reach out and touch faith“, cantaban fervorosas, con los brazos en alto, las 18000 mil almas que rendían así pleitesía a los creadores de “Personal Jesus“.
El final había llegado. La placidez del tema “Waiting for the Night” nos regresaba lánguidamente al futuro.
Fue así que Depeche Mode demostró que es un grupo consolidado, vigente. Hoy en día han demostrado que su música no sólo evoca recuerdos en sus seguidores. Su música es parte de nuestras vidas, es nuestro ayer, es nuestro presente, es el porvenir aún ausente.

Foto tomada del sitio oficial www.depechemode.com

Por: Oscar Herrera.

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Tijuana se puso romántica con el concierto de las “Leyendas Musicales de Tijuana” celebrado el pasado domingo 26 de Julio en el marco de los festejos de los 120 años de su fundación.
Grupos sesenteros como “Old Friends”, “Ritmo 7″ , “Rockin Devils”, “Los Moonlights” y “Rubén y sus Corazones Solitarios”; hicieron regresar el tiempo al ritmo de rock y melodías románticas que provocaron el baile y la nostalgia entre los miles de asistentes que se dieron cita en la legendaria Avenida Revolución.
Desde temprana hora la revu se fue llenando de tijuanenses de todas las edades que disfrutaron de un programa que incluyó también la presentación de invitados especiales, destacando la presencia de la siempre versátil “India Edelmira” quien arrancó las risas y carcajadas de los más de 6000 asistentes (según cifras proporcionadas por la Jefa de Acción Cívica del Ayuntamiento, María de Lourdes Akerlundh) con chistes de todos los colores.

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“Solamente en las ciudades buenas, solamente en las ciudades seguras y en las ciudades cuya gente lo permite suceden este tipo de cosas; por eso estamos aquí en la calle, demostrando, viviendo y recordando que en esta ciudad se viven cosas buenas todos los días; esa es la importancia que tiene este evento aquí en la tan honrada Avenida Revolución” comentó optimista a CONECTARTE el Director de Relaciones Públicas del Gobierno Municipal Alvaro Avila Vázquez, quien acudió al evento en representación del Alcalde Jorge Ramos.

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Pero no sólo de nostalgia musical se llenó la famosa calle de Tijuana; desde la calle sexta hasta el escenario principal (debajo del reloj monumental) fueron exhibidos autos clásicos por los principales clubes de la ciudad, los cuales captaron la admiración de los tijuanenses y de los pocos turistas que se dejaron ver por la histórica avenida.

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Y es que el evento reunió más público local que turistas, ya que por todos es sabido que “La Revolución” ha dejado de ser, desde hace mucho tiempo, el lugar de esparcimiento y diversión para el turismo extranjero.
“Tijuana es la reina de todas las fronteras”, nos dijo alegre Rubén, el de los “Corazones Solitarios” antes de subir al escenario. Qué le pasó a Tijuana Rubén, por qué dejó de ser la de antes? , le pregunta CONECTARTE más con melancolía que con pesimismo. “No sé qué le pasó, pero no son gentes de aquí. Tijuana es una ciudad muy noble, y esperemos en Dios de que cambie todo esto, que haya más eventos de estos para que el turismo venga a Tijuana“.

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La conducción del evento estuvo a cargo del locutor Jesús Bojórquez, del programa de radio “Complacencias” quien no perdió la oportunidad de “echarse un palomazo” con las bandas del recuerdo.
“A pesar de todo lo que ha estado pasando, seguimos siendo una gran ciudad, y se nos sigue respetando en todo el mundo como una cuna de grandes elementos artísticos (…), nos comentó feliz don Paco García, lider de “Los Moonlights“, después de dejar el escenario. “Me da mucho gusto ver a todas las familias que se reunieron aquí, a las cuales les digo que tengan fe, nuestra ciudad se va a alivianar; vamos a dejar de ser el patito feo (en todos los ángulos) porque siempre vamos a ser superiores a cualquier ciudad”, finalizó el también saxofonista de la banda.
Fue así que Tijuana bailó al ritmo de “Bule Bule“, “Chica Ye Ye“, “Rosa María“, y recordó éxitos como “Si te doy mi corazón“, “Con la luna llena” y “Mi Angel de Amor“; canciones que hicieron revivir la Tijuana de antaño, la apacible, la generosa; la Tijuana romántica.

Por: Oscar Herrera.

Ni el intenso calor mermó el ánimo de miles de personas que disfrutaron de la sexta edición del Festival Opera en la Calle celebrado en la Colonia Libertad el pasado sábado 18 de Julio.
Con un programa artístico muy variado (de más de 10 horas continuas) que incluyó Danza, Música, Teatro, Opera, Ensambles Vocales, Desfile de Arlequines; entre otras disciplinas, el Festival una vez más cumplió con las expectativas de un público que está haciendo de este evento cultural una tradición en la ciudad.
Precisamente fue el éxito de anteriores ediciones lo que llevó a los organizadores a cambiar de sede, ya que en esta ocasión el Festival se celebró en la Calle Octava (que conecta las calles Pino Suárez y Aquiles Serdán) a un costado de la Escuela Venustiano Carranza; dejando atrás la costumbre de celebrarlo en la Calle Quinta, por cuestiones de espacio y de logística.

Familias enteras se deleitaron de manera gratuita con el talento y el virtuosismo de artistas tijuanenses quienes, a pesar de la inclemencia del sol, salieron airosos de sus presentaciones.
Y es que el sofocante clima no se apiadó de nadie. Para las tres de la tarde el sol caía a plomo, obligando a los asistentes a buscar los pocos refugios de sombra que había, o sacar las sombrillas, como algunos precavidos lo hicieron.
Venta de refrescos, cerveza, vino, comida, ropa y artesanías; exposiciones de pintura y fotografía; módulos de información cultural, así como actividades recreativas para niños, también formaron parte de esta sexta edición.
Los vecinos de la localidad aprovecharon la ocasión para abrir sus casas, y ofrecer diferentes servicios, que fueron desde la comida y bebidas hasta cajones de estacionamiento.
Fue así que la comunidad tijuanense volvió a apoderarse de los espacios públicos, esos que la delincuencia les ha arrebatado. Esta vez el pretexto fue la Cultura, pero cualquier evento coherente y bien intencionado puede también lograrlo. Ayer fue la Colonia Libertad, pero mañana pudiera ser La Altamira, La Morita o El Florido.
Grata ha sido la lección del Festival Opera en la Calle: reunir familias, recuperar nuestras calles, descentralizar la Cultura, mostrar el verdadero rostro de una ciudad que se resiste a ser rehén del crimen organizado.
Es una lástima que ninguna autoridad municipal, estatal o federal haya sido testigo de lo que podemos lograr todos juntos como comunidad.

Por: Oscar Herrera.

Karen Muro/CONECTARTE

El pasado jueves 16 de Abril fue inaugurada la obra “Alas para…” de la artista plástica tijuanense Karen Muro. La cita fue en el Instituto de Cultura de Baja California (ICBC) en Tijuana, a donde decenas de invitados acudieron a apreciar el trabajo de la también Diseñadora Gráfica, quien presentó diversas corbatas y vestidos pintados a mano; dibujos, pinturas, así como collares hechos a mano, donde el tema central fueron las aves.

Foto/CONECTARTE

“Es una exposición grandísima de agradecimiento, básicamente es como una manera de agradecer a las personas que han estado conmigo a lo largo del tiempo. Me conocen más por pintar corazones orgánicos, por pintar otro tipo de cosas, desnudos y demás; pero esta vez quise hacer pájaros porque me siento una persona muy afortunada, y siento que en mi árbol (que vendría siendo como una metáfora de mi misma) existen muchos pájaros que conviven, y todos los días me platican. Entonces es como una manera muy rica de disfrutar a mi familia, por eso la mayoría de los invitados son alumnos, amigos, personas que laboran conmigo o que de alguna manera nos conocemos”; expuso a CONECTARTE la talentosa artista.

Foto/CONECTARTE

Loros, mariposas, colibríes, pájaros y hasta cuervos fueron representados en acrílicos, acuarelas, tinta china, y en telas como satín y shantung con ingenio y versatilidad.
“El cuervo me fascina porque siento que para muchas culturas significa la vida y para otras la muerte. Para nuestra cultura mexicana de repente vemos un cuervo y decimos que alguien se va a morir o es un mal día, pero para culturas como por ejemplo la canadiense, el cuervo es un símbolo de buen augurio, es de muy buena suerte, es acerca de la vida, y yo considero que en esta dualidad nos encontramos todos, y una bonita manera de representarnos es así, saber que tenemos las dimensiones negativas y las positivas a flor de piel, depende la interpretación de las personas que nos rodean”; mencionó la artista quien desde los 14 años viene participando de manera colectiva e individual en exposiciones de arte en la ciudad.

Foto/CONECTARTE

Sobre el proceso creativo y su trabajo multidisciplinario en “Alas para…” comentó:
“Cuando estaba en el proceso de esto hacía una corbata, y a los dos días hacía un collar, y al día siguiente empezaba un vestido, y luego hacía un dibujo. Siento que siempre tengo que estar en constante movimiento. Por ejemplo, hacer una serie de 50 vestidos para mi no era tan fascinante (a pesar de que hubiera sido un buen esfuerzo, y se hubiera visto muy bien) pero creo que las personas pueden ver las diferentes dimensiones que tengo a través de las diferentes cosas que hago”.

Foto/CONECTARTE

Son más de 45 piezas que integran esta interesante muestra que estará exhibiéndose de manera gratuita en el pasillo del segundo piso del ICBC Tijuana hasta el mes de mayo.
Para conocer más sobre el trabajo de Karen Muro no dejen de visitar su espacio en: http://www.karenmuro.blogspot.com/

Por: Oscar Herrera.

Foto Cortesía ICBC Rosarito

Noche mágica la vivida por los cientos de asistentes al magnífico espectáculo “Expresiones Amorosas del Paraíso-Elegancias de Acrobacia” el cual se llevó a cabo en el Teatro Universitario “Rubén Vizcaíno Valencia” el pasado sábado 21 de marzo.
En el escenario, más de 30 talentosos artistas chinos provenientes de la ciudad de Hangzhou, capital de la provincia de Zhejiang, presentaron 14 actos de acrobacia de manera impresionante.
Fue la Compañía “China Zhejiang Acrobatics Troupe” (conformada principalmente por jóvenes) la encargada de asombrar a familias enteras quienes abarrotaron el inmueble universitario para ser testigos de la elegancia, destreza y maestría con que realizaron las complejas ejecuciones.
Los asistentes pudieron admirar movimientos excepcionales de contorsión, ingeniosas maniobras grupales, y complicadas acrobacias aéreas ejecutadas con pericia.
Actos como “Luz de Buda de Templo Putuo”, “Mágia-Naipes”, “Flores de Ciruela a Primavera-Alfombra Rodatoria”, lograron sorprender a un público que prácticamente quedó hechizado ante la habilidad de los artistas.
Cada acto estuvo acompañado de una breve presentación en video donde se proyectó la vasta cultura oriental a través de Hangzhou, ciudad pintorezca situada en la costa sureste de China.

Foto Cortesía ICBC Rosarito

Fueron casi dos horas de un espectáculo de primer nivel el que se vivió en la ciudad, el cual ha sido presentado también en Italia, Francia, Inglaterra, Holanda; siendo Baja California la primera visita al continente americano que realiza la compañía.
Al final de la presentación el público ovacionó a los artistas de pie, y tuvo oportunidad de tomarse fotos con ellos. La presentación en Tijuana estuvo precedida por actuaciones en Mexicali y Ensenada que también resultaron exitosas.
El espectáculo estuvo organizado por el Gobierno del Estado de Baja California a través del ICBC, y el Gobierno de la Provincia de Zhejiang, a través de la Dirección General de Cultura.

Por: Oscar Herrera.

Desde sus inicios, la Televisión Cultural en México ha tenido frente a sí, un panorama desolador. El simple hecho de pensar en ella como opción televisiva generaba o ¿genera? antipatía. ¿Quién no recuerda a Octavio Paz en los ochentas reseñando libros o discurriendo sobre autores hasta altas horas de la noche? Formatos densos, conductores acartonados, horarios nocturnos, producciones sobrias que no despertaban el mínimo morbo; eran las características centrales de la Televisión Cultural.
Figuras de la intelectualidad (desde Florence Toussaint, pasando por Jesús Martín Barbero, hasta Néstor García Canclini) se han encargado de abordarla, estudiarla, de criticarla, de generar valiosos documentos que siguen vigentes, y son referentes obligados.
Hoy en día, con canales culturales como el del CONCACULTA (Canal 22) y el del Politécnico (Canal 11), los intentos por hacer una Televisión Cultural entretenida, ágil y con formatos menos pesados; están surtiendo sus primeros efectos: la integración de ciertos públicos.

Foto CONECTARTE

Programas como “La Dichosa Palabra”, “El Tímpano”, “Entre Líneas” y “El Foco”, por citar algunos, han venido a demostrar que la Cultura en la televisión mexicana ha dejado de causar fastidio.
Por otro lado, a nivel local, han sido las universidades, tanto públicas como privadas las que han dado la cara por la Televisión Cultural y se han atrevido a realizar programas que, por fortuna, han encontrado espacios de difusión tanto en la televisión abierta como en la de paga, a pesar de los raquíticos presupuestos con los que trabajan.
Valientes esfuerzos los de programas como “Cultura a Cuadro” de la UABC, “Caldero TV” de la Ibero, “Pulso” del CUT, y “La Esquina TV” de la Universidad de las Californias; que poco a poco se van ganando las audiencias tijuanenses. Es gracias a la pujanza estudiantil y al espíritu universitario que la Televisión Cultural en nuestra ciudad se mantiene viva y crece día con día.
Recientemente visitó nuestra ciudad el escritor José Ramón Ruisánchez. Vino a presentar su más reciente novela “Nada Cruel” y de paso charlar sobre Televisión Cultural con alumnos de la Universidad Iberoamericana. Ruisánchez conduce junto a Julio Patán el programa “Entre Líneas” que se transmite por Canal 22 donde el tema central es la Literatura.
Previo a la conferencia en la Ibero, CONECTARTE charló brevemente con el también académico, y a continuación compartimos parte de la entrevista.

José Ramón Ruisánchez Foto CONECTARTE

Hablaba Jorge Volpi al inicio de su gestión al frente de Canal 22, que la apuesta central era implementar un intenso plan de comercialización que involucrara a la iniciativa privada. ¿Cómo comercializar la Cultura en Televisión?
“Mira, lo primero que tienes que hacer es crear audiencias. No puedes llegar con potenciales clientes sin tener audiencias, entonces creo que lo que se ha ido intentando (y la verdad con éxito), ha sido crear una serie de públicos que antes no veían el Canal 22, el 11, o una oferta distinta a la francamente comercial. Lo que se ha hecho es explorar cuáles son los intereses, por ejemplo de los chavos de 15 años, qué es lo que falla en la programación habitual cuando te ocupas de cultura. Creo que la primera etapa que se está cumpliendo muy bien es eso, crear un público, y ya que tienes un público, entonces ya puedes jugar a diferentes cosas. Si ves las gráficas de raiting, de diferentes programas (los que se han conservado e ido pasando de temporada en temporada) han ido creciendo, eso te permite, primero solidificar el público, la fidelidad de un público al canal y, después en una segunda etapa, lo que haces es acercarte a los anunciantes, y decir: ‘ahí está el público’”.
¿Cómo hacer Televisión Cultural en la etapa de la Post-Televisión?
“La gente no ha dejado de ver televisión, simplemente lo que se ha creado son nichos específicos. Lo que tienes que pensar es, uno, que la Televisión Cultural (que francamente se olvidó muchas veces) lo que dejaba de ser era televisión, entonces era muy cultural, pero como televisión no funcionaba, no se pensaba televisivamente, era aburridísima, no había nada que combinara los enormes avances del medio de la televisión con un contenido más sabroso, había una mediación que no servía de nada. Hoy en día hay que pensar cómo la televisión se ha transformado. La televisión ya no es el único medio en el que se montan estos contenidos, entonces hay que aprovechar los otros medios. Cuesta trabajo modificar el pensamiento, pero por qué no al mismo tiempo creamos un blog, un enlace a You Tube, contestar emails, o a lo mejor es más eficiente crear un podcast, que aspirar a un espacio en una estación de radio abierta; entonces justamente lo que haces es eso, un mismo contenido lo dejas habitar diferentes medios.”

Foto CONECTARTE

Decía Epigmenio Ibarra que la Televisión Comercial le ha dado la espalda al talento y la Televisión Cultural le ha dado la espalda al entretenimiento. ¿Qué opinas?
“Es una frase ingeniosa, y vamos, viniendo de quien viene, alguien que además ha logrado meter talento a la Televisión Comercial sin duda. La Televisión Cultural durante mucho tiempo más que ser seria era solemne, francamente aburrida, no acababa de cumplir con ese cometido de ser Televisión. La Televisión Cultural se trató de avocar a la Cultura y se le olvidó ser Televisión. Hay mucha gente que se ha formado cambiando de canales, la gente no ve un sólo canal, la gente cambia de canales, y ha habido por ejemplo una diversidad de la oferta en cuanto a películas que se pasan. Por otro lado, creo que hay un antes y un después de “La Dichosa Palabra”; cambió radicalmente la manera del hacer la Televisión Cultural. Si ves las audiencias que atrae cuando se transmite en vivo, es una cosa notable. Entonces, se pueden hacer cosas afortunadas, y evidentemente la BBC o PBS en Estados Unidos, son ejemplos de que se puede hacer una Televisión Pública, olvidemos lo cultural, una televisión inteligente muy afortunada. Yo preferiría el término Televisión Inteligente, porque Televisión Cultural siempre suena a una contradicción en términos, de un proyecto destinado al fracaso, en cambio una Televisión Inteligente, que tenga su parte en la república de los medios es fundamental, y creo que se puede hacer y se hace con fortuna”.
¿Debe el gobierno seguir subsidiando las empresas culturales o hay que voltear más a la iniciativa privada?
“Mira, el problema es que no pueden surgir de la nada. El capital es conservador, entonces sí, sin duda se necesita un subsidio, pero también se necesita tener metas claras y cumplir estas metas claras. No va a competir un pequeño canal local con un gran consorcio de medios, pero tiene que competir por un cierto nicho, y eso es afortunado. No todo es la recuperación en pesos y centavos, la verdad hay un asunto de capital cultural que se obtiene, eso es importante. El hecho de que haya una diversidad en el espectro de la televisión abierta es fundamental, el hecho de que haya presencia en cable (como nosotros mismos), pero también como TV UNAM, o Canal 11 es fundamental, o sea, eso hace ganar a las audiencias”.

José Ramón Ruisánchez Foto CONECTARTE

León Krauze, Director de Clío, mencionaba alguna vez que sería bueno que todo aquel empresario que quisiera invertir en la Televisión Cultural pudiera gozar de estímulos fiscales. ¿Cuál es tu opinión?
“De nuevo, es un asunto complicado, es mucho más fácil pensarlo en el sentido de ‘mira si ocupas este inmueble que es un patrimonio te doy incentivos fiscales’. Mira, es todo un problema de Economía, pero no está mal pensar en ese tipo de alianza; de nuevo es una curva, es algo que te permite por ejemplo digitalizar un canal, fortalecerlo, crear una opción, y una vez que se crea esa opción, se puede empezar a quitar ese tipo de trato privilegiado, o sea, depende cual sea tu pensamiento económico, francamente es una cosa casi de Filosofía, es difícil decidirlo. Sin duda, mi respuesta, por lo menos en el corto plazo, si se fuese a crear un nuevo canal cultural, sin duda se tiene que subsidiar, se tiene que incentivar todo tipo de inversión privada, y luego se debe de dar un seguimiento real de decir, ‘bueno, se subsidió este canal ¿dónde está el crecimiento? ¿qué ha pasado?’, y en ese sentido ir regularizándolo. De nuevo, no estás compitiendo, no estás tratando de hacer un canal comercial. Un canal comercial se hace de otro modo y sus objetivos son diferentes”.
¿Qué opinas de los programas culturales que se realizan en el interior del país, particularmente uno tijuanense llamado “Bulbo”, el cual llegó a transmitirse también por Canal 22?
“Yo creo que esto es fundamental. Ahora, la verdad es que tiene el mismo problema que el asunto de decir ‘Televisión Cultural’, o sea, el problema es cuando empieza a decir ‘Televisión Local’. Lo que tienes que pensar es ‘Buena Televisión’, ‘Televisión Inteligente’. Desde luego es importante el sistema de competencia abierta, de decir, bueno, si tú eres un productor y me puedes hacer un programa, adelante; es fundamental, a mi eso me parece que es una cosa que es central en el pensamiento de el cambio de la Televisión. Ahora, ojo, no sólo estoy pensando en algo tan pequeño como Canal 22, el nivel de la Televisión Comercial, para mi gusto, va para abajo, y si no se abren a este tipo de producciones de talento atípico, para mi no resulta nada interesante”.

Por: Oscar Herrera.

Del 24 de Febrero al 7 de Abril, la reconocida fotógrafa Yvonne Venegas, impartirá el taller “Creación de un proyecto fotográfico” en el Centro Cultural Tijuana (CECUT). El taller está dirigido a fotógrafos y artistas visuales que se encuentren realizando un proyecto fotográfico o un proyecto artístico cuya base sea la fotografía. La realización de ejercicios, la presentación de las imágenes producidas, así como la discusión sobre las distintas variables, técnicas y conceptos que intervienen en el proceso fotográfico; serán parte de las actividades a realizar en el taller. Actualmente Venegas se encuentra en el proceso de selección de aspirantes a través de entrevistas, ya que serán sólo 12 (máximo 14) las personas que podrán participar.

CONECTARTE tuvo oportunidad de charlar con Yvonne Venegas con motivo de este taller, y aquí compartimos parte de la entrevista.

Foto Cortesía

¿Por qué es importante que los que se dedican a la Fotografía se actualicen o se profesionalicen por medio de estos talleres?
“Esta profesionalización se hace, de entrada, porque no existe una escuela. Lo que yo creo que la escuela te da es aprender a discutir tu trabajo y una disciplina; viene junto yo creo. Te disciplina el enseñar tu trabajo y platicarlo con otras personas, porque te impulsa a producir más, eso es algo que es importante ya que el trabajo crece, se vuelve más fuerte (…) Hay varios de los alumnos que estuvieron en el taller de Javier Ramírez por ejemplo, que este año les dieron la beca del FONCA (que nunca antes se las habían dado) entonces, el chiste es entrar en la discusión y en los forums que hay nacionales e internacionales de Fotografía, sin sentirnos como que no sabemos de lo que estamos hablando. Creo que esto es muy importante, porque hay cosas y experiencias muy distintas de lo que se está viviendo en Tijuana, de lo que se está viviendo en otras partes del país y del mundo que creo que son importantes que salgan y que la gente las conozca”.
Nos está tocando vivir la transición de la Fotografía Analógica a la Digital. ¿De qué manera está influyendo esta transición en los fotógrafos hoy en día?
“Es una muy buena pregunta porque en realidad parte del taller quiero dedicarla a esa discusión. Creo que hay un entendimiento básico sobre las imágenes que cambia en el momento en el que tú tomas digital, porque puedes verlo inmediatamente, o sea, la pausa del momento en el que tú tomas la foto y la ves, es mínima. Antes era el esperar, el revelar; tenías que trabajar e imaginarte, adivinar cosas, empezar a cargar la imagen con esperanzas hasta que llegaras a verla, eso le daba su propia vida, y no podías eliminarla tan fácilmente. Esa situación viene cambiando la manera como tomamos fotos y la manera en que nos relacionamos con el sujeto que estamos retratando, porque se vuelve una relación con la cámara, con la máquina, con la computadora; ya no estamos imprimiendo las fotos y teniendo esa relación con ellas. Esto lo digo por experiencia, es una cosa que yo extraño, y que a lo mejor es muy práctico. Mucha gente lo está disfrutando porque puedes tomar más fotos que antes, y el trabajo de la edición es distinto porque lo estás viendo en la computadora… cambia todo. En ese sentido, lo que yo quiero proponer en el taller es encontrar maneras de pensar la Fotografía de una manera analógica, permitirnos esos espacios para que el trabajo no pierda el misterio; el misterio está en nuestra cabeza. De repente tomamos fotos que no sabemos por qué las tomamos, y ese no saber por qué, en un momento de error, lo podemos hacer delete y desaparece la foto. Yo creo que tiene que haber alguna manera de que la Fotografía mantenga su misterio”.

Sin embargo, esta digitalización está acercando más a la gente a la Fotografía. Hay como una “socialización” de la Fotografía actualmente. ¿Qué opinas de esto?
“Desde que empezó la Fotografía (por ejemplo cuando empezó Kodak con su ‘Brownie Camera’) su uso como herramienta era que la gente quería tener una foto de ellos mismos. Lo que siento que está pasando ahora (que es un poco lo complicado) es que las barreras entre lo público y lo privado se están desvaneciendo de una manera muy exagerada. Obviamente nosotros no lo sufrimos, lo sufren las figuras públicas. Hay un deseo de consumir imágenes, y ya no hay límites entre si lo puedes consumir o no; sientes que porque tienes una cámara y tienes una figura pública enfrente de ti, puedes hacerlo (…).

Trabajar en un cuarto oscuro es como un ritual: el cuidado de los tiempos, la luz, el trabajo con los químicos, etcétera; sin embargo, hoy en día con la fotografía digital se acude al kiosco fotográfico más cercano y se da la impresión de manera inmediata. ¿Se ha demeritado el oficio del fotógrafo?
“No creo, en realidad lo que hacen los autores con la Fotografía lo van a seguir haciendo, y van a seguir buscando las maneras de construir su lenguaje. Siempre hubo el revelado así, revelado en una hora, etcétera. Los álbumes familiares son una necesidad, y eso no va a dejar de existir, además es necesario que exista. No hay que confundir lo que es la foto de autor y lo que es la foto de consumo. El consumo del turista, el consumo del amateur es una necesidad que tenemos, que es la de guardar nuestras memorias (…)”.

Una buena fotografía ¿se busca o se encuentra?
“Para como yo tomo fotos, yo creo que se encuentra. Yo solamente te puedo hablar de mi experiencia, y para mi es encontrar, se encuentra; es algo que tu subconsciente trabaja con tu técnica, con tu mirada, y esas situaciones están ahí, las encuentras. Hay gente que lo crea, que hace foto construida, y es otro tipo de Fotografía. A mi me cuesta mucho trabajo de repente entender esas fotos construidas. Si no son buenas ideas, es muy complicado verlo como foto, no sé, soy como muy purista de repente”.

Foto Cortesía

Háblanos un poco de tu participación en la muestra “Proyecto Cívico”, que actualmente está en exhibición en el CECUT.
“Las curadoras conocían algo de mi trabajo, les enseñé trabajos nuevos, y escogieron uno que funcionaba para el tema que ellas estaban buscando. Para mi es un honor formar parte porque estoy incluida en una exposición con artistas que admiro, y que veo como muy lejanos, entonces el estar ahí es emocionante. Me emociona la manera como estamos hablando, en diferentes lenguajes obviamente, y diferentes ideas. Es como reunir una serie de artistas, una serie de ideas que crean un diálogo. Para mi, eso es lo que están haciendo las curadoras, crear un diálogo que uno aprende al estar ahí”.

Estuviste 6 meses conviviendo y fotografiando al grupo RBD para esta muestra. Leí en algún lugar que tu propósito era “encontrar el lado humano del producto masivo”. ¿Qué tanta libertad te dio el grupo para lograr ese objetivo?
“Ese proyecto fue una invitación de Fundación Televisa, fue una idea de Mauricio Maillé (que es el director del proyecto), él llegó y me dijo: ‘quiero que tomes fotos de este fenómeno’; él está haciendo un trabajo de invitar a artistas a reflexionar sobre Televisa. Yo fui una de esas invitadas, él se lo propuso a Pedro Damián, y le encantó la idea. Pedro Damián, (como es el productor del grupo) les dijo a los chavos, ‘¿saben qué?, esta chava es artista, y va a estar tomándoles fotos, ustedes sigan su vida, ella va a andar aquí…’; entonces me dieron toda la libertad de llegar y tomar fotos, estar con ellos, acercarme como yo necesitara; fue un acceso total, y lo disfruté muchísimo, porque son personas muy lindas, son personas muy padres con quien trabajar. Este proyecto para mi fue muy importante hacerlo”.

Para la selección de fotos que presentas en esta exposición, ¿tuviste que consultarlos?
“No, en realidad este proyecto todavía está, digamos que en espera. Está el proyecto de un libro que todavía no sale, y aún estamos trabajando en la manera de cómo lo vamos a presentar. Todas las fotos ya las vio Pedro Damián, yo no le dije ‘voy a poner estas fotos en la exposición’, porque tiene otras cosas en qué preocuparse, pero esperamos que ese libro salga pronto, digo, ya se va a acabar RBD, ahora sigue hacer el libro”.

¿Cuál es la mayor satisfacción que te ha dado la Fotografía?
“Yo creo que encontrar respuestas a preguntas muy profundas. Esa es una satisfacción, y siempre que las encuentro (aunque no necesariamente sea la que buscaba) algo surge …

En este oficio, ¿cuál es el mejor consejo que has recibido de tu padre?
“Ve muchas fotos y toma muchas fotos (risas). Los he aplicado ambos, y la verdad a mi me han funcionado mucho”.

Agradecemos al CECUT y a su Coordinadora de Prensa, Cristina Cornejo Leyva, las facilidades para realizar esta entrevista.